兵庫県出身
コラージュを通して精神を具現化させたポートレート作品を制作している

日本出身のアーティスト。元来ミュージシャンを志すも、18歳の時、 アーバンスケッチングに出会い水彩の色に感動し刺激を受ける。
2014年にアクリルを使い始め、抽象画には色、筆使い、触れた時の感触、様々の感情、感じたことのない 好奇心など普段感じない感情や会話の源があると発見する。
現在、国内のコーヒーショップから使用済みの粉をもらい、人生や繋がりなどのテーマを絵画で表現している。

なぜ、自分は絵を描くのか。
日々絵を描き、ログを残すことで、作者が生きている（生きていた）証を鑑賞者に見てもらう。
見てもらうことで、作者、鑑賞者の生を確認してもらう、死に向かうための生ではなく、ただ、そこにある生を確認してもらう装置としての作品

死は万人に平等といわれているが、今ここで生きていることも平等なもの（事実）ではないかと考える。
その装置の前では、人種や宗教など様々な壁がなくなることを望み、壁をなくすために作品には誰にも意味のないものを描く。

そうすることで、「なんだこれは」という一つの感情、感想のもと、全ての生き物を一つにできるのではないかと考える。
私が普段、日々の記録をとるならば、自国語の文字で詳細を残せば良よい。
それは私の生の記録としては、私にしにか意味はなく、また読むには私と同じ言語を使用、理解する必要がある。
日付や時間なども私以外には意味を持たない、逆に全ては私には意味のあるものになってしまう。
また、文字や日時などは鑑賞者が読み取れた、読み取れてしまった時には、なにかしらの意味を持ち、見るものにも影響を与えてしまうため、 意味のないもの（先の「なんだこれは」）にならない。

しかしながら、文字や記号では誰かしらに意味をもたせてしまうし、まったくの抽象画になると、ひとつの感情・感想とはならないのではないかと考えたため そこで、なじみある文字のようであり、また、記号でもあるような「カートゥーン」「マンガ」のキャラクターのような（あくまで特定のキャラクターではない）を描くことで、読めそうで、読めず、また意味がありそうでない、という表現をしている。

そういう意味では、グラフィティも同じく、文字のような形を取っており、グラフィティーのログの意味合いと、文字を絵のように表現する点は、似ているが、大きな違いは、描いた者にとって意味の有無、そして残すことを目的としているかどうかという点。

私の作品は、意味を読み取る、後に残すというよりも、作品を通し、私の生きていた痕跡を目撃することで、私と鑑賞者の「生」を確認する共同作業に近いかと思う。

なぜ、描き重ねているのか？

生を確認する作品でもあり、テーマも「生」である。絵を描き重ねることは、描くための運動エネルギーと時間経過で意識的な生を少しブレたような見た目は、普段私たちが静止していても、発生してしまう無意識下の「生」を表している。

「生」は作品を前にした時に、私と、鑑賞者との間での唯一無二のバイアスのかかっていない共通点である。

プロラボで勤務後、2018年から関西を拠点とした写真家へ転向。
写真を中心とした活動を主とし、撮影、編集、アート制作、展覧会の運営など。

自分の中の感情を具現化し写真という手段を使って目に投影させるアーティスト
自分の中の死生観と向き合い写真を撮る
フィルムを手作業で現像、プリントすることで
気持ちを写真と印画紙の間に入れ込み
それを燃やすことまでが自分の写真としての意味を持つ

兵庫県出身
コラージュを通して精神を具現化させたポートレート作品を制作している

兵庫県出身
木工房や施工現場から出る木屑は職人が費用をかけて廃棄しているという現状がある。
その木屑を回収し、ゴミという認識のある木屑の魅力を伝えるために日々作品を制作している。

「透明をカタチに」をモットーに、
壊し、作り、生まれるを繰り返すのみ

神戸市在住
　 真言宗本山である高野山で暮らした体験を基に「省くこと」に重きを置いた制作を続ける。

平面と立体との境界線はとても曖昧であり、絶対的ではないと思う。
それらの中に存在する中間領域であると考えられる物質と空間性を混在させて白で表現する。
日常においての単純な所作（行為）の力を少しばかり借りてみることにする。
それらの様々な所作（行為）は容易なことのようで、
本質的には困難なことであったりするのではないかと個人的に思う。
白に魅了されている。
白はある種の空気的感覚や空間性を最大限に生かすことができる要素を持つものであると考える。
日常にこそ美しいコウイ（所作）・モノ・コトが存在するのではなかろうかと自身に問う。

生活する中で自分に起きた出来事を忘れないように
フィルムで写真を撮り続けています

兵庫県出身
今は愛知県で一人暮らしをしている。
日々の感情や、ふとした落書きなどを作品にすることが多い。
最近一人暮らしに慣れてきたが、ロフトベットの下のスペースを使い作品制作をしているが、暗く狭く書きにくい。

2019年7月。
目の不自由な人に自分の作品を見せても、何も伝わらないということを自覚してしまいました。
芸術はいろんな壁を越えていける。言葉よりも軽やかに。遠い国の誰かに想いを届けることができる。
でもその中に絵を見ることが難しい人達は含まれているんでしょうか。

点字は視覚障害の方々にとって、暗い洞窟に灯す光なのだと思います。
それは晴眼者であるかぎり私にはわからない光です。
誰の力も借りずに自分自身の速度で本を読む。
私たちが絵を見て感動するのと同じように言葉の中にあるイメージの海を自由に泳ぐことができる。
それは作り手と読み手の二人が第三者を間に挟まなくても作品を通して繋がり合えるということではないでしょうか。
私は遠い国の知らない誰かよりももっと近くの確かにいる人との壁を自分の言葉で越えていきたいです。

内装から芸術イベントの造作や設営まで、さまざまな作ることに携わる。建築集団 “々” 主宰。
前田文化のメンバーとして、建物の解体をしながらパフォーマンスをする活動も行う。

なぜ、自分は絵を描くのか。
日々絵を描き、ログを残すことで、作者が生きている（生きていた）証を鑑賞者に見てもらう。
見てもらうことで、作者、鑑賞者の生を確認してもらう、死に向かうための生ではなく、ただ、そこにある生を確認してもらう装置としての作品

死は万人に平等といわれているが、今ここで生きていることも平等なもの（事実）ではないかと考える。
その装置の前では、人種や宗教など様々な壁がなくなることを望み、壁をなくすために作品には誰にも意味のないものを描く。

そうすることで、「なんだこれは」という一つの感情、感想のもと、全ての生き物を一つにできるのではないかと考える。
私が普段、日々の記録をとるならば、自国語の文字で詳細を残せば良よい。
それは私の生の記録としては、私にしにか意味はなく、また読むには私と同じ言語を使用、理解する必要がある。
日付や時間なども私以外には意味を持たない、逆に全ては私には意味のあるものになってしまう。
また、文字や日時などは鑑賞者が読み取れた、読み取れてしまった時には、なにかしらの意味を持ち、見るものにも影響を与えてしまうため、 意味のないもの（先の「なんだこれは」）にならない。

しかしながら、文字や記号では誰かしらに意味をもたせてしまうし、まったくの抽象画になると、ひとつの感情・感想とはならないのではないかと考えたため そこで、なじみある文字のようであり、また、記号でもあるような「カートゥーン」「マンガ」のキャラクターのような（あくまで特定のキャラクターではない）を描くことで、読めそうで、読めず、また意味がありそうでない、という表現をしている。

そういう意味では、グラフィティも同じく、文字のような形を取っており、グラフィティーのログの意味合いと、文字を絵のように表現する点は、似ているが、大きな違いは、描いた者にとって意味の有無、そして残すことを目的としているかどうかという点。

私の作品は、意味を読み取る、後に残すというよりも、作品を通し、私の生きていた痕跡を目撃することで、私と鑑賞者の「生」を確認する共同作業に近いかと思う。

なぜ、描き重ねているのか？

生を確認する作品でもあり、テーマも「生」である。絵を描き重ねることは、描くための運動エネルギーと時間経過で意識的な生を少しブレたような見た目は、普段私たちが静止していても、発生してしまう無意識下の「生」を表している。

「生」は作品を前にした時に、私と、鑑賞者との間での唯一無二のバイアスのかかっていない共通点である。

1996年生まれ。プログラマー。
クリエイティブチームPIXELGRAM代表。
コミュニティスペースORANGE PARK運営。

Chi Kuen Victor Chu (b. 1989), is a graphic art and visual effect artist from Toronto,
Canada and now resides in Hong Kong. Chi’s work has been widely praised for its limited
palette and handcrafted graphic precision quality, while further pushing the boundaries of
2D graphic elements into a higher level of aesthetic possibilities.

羊毛フェルトの作品になります。
抽象的なオブジェは、体に同化する『見て、触って、遊べるアート』をコンセプトに製作しています。それぞれが１つのピースとなり自由に結合出来るようになっています。
奇抜な形や色合いも不思議と優しく思えてしまう羊毛独自の質感をお楽しみ下さい。

日本出身のアーティスト。元来ミュージシャンを志すも、18歳の時、 アーバンスケッチングに出会い水彩の色に感動し刺激を受ける。
2014年にアクリルを使い始め、抽象画には色、筆使い、触れた時の感触、様々の感情、感じたことのない 好奇心など普段感じない感情や会話の源があると発見する。
現在、国内のコーヒーショップから使用済みの粉をもらい、人生や繋がりなどのテーマを絵画で表現している。

グラフィックデザインを軸に制作活動を行う。
日常の中で目にするものや考えることをモチーフにアイデアや違和感を加えて作品を展開。
モチーフとした物事の再認識を目的とする。

遘√?蜷榊燕縺ｯNAMU縺ｧ縺吶?
縺疲擂蝣ｴ縺ｮ逧?ｧ倥?閼ｳ縺ｫBug繧定ｵｷ縺薙＠縺ｾ縺吶?
Paradox縺ｯ逕溘″縺ｦ縺?ｋ險ｼ縺ｧ縺吶?

10代の頃から、鉛筆画作品などを発表する傍ら、 写真の世界に興味を持ち、 創作的な作品を発表する写真家として現在に至る。
彼女が生み出す作品は、アメリカ人でありながら 情緒豊かな日本で育った生活環境に大きな影響を受けている。
その独自の感性と審美的な世界観は、観るものを幻想的な情景へと誘い、 どこか癒される不思議な感覚を醸し出している。
今、成長著しい注目の若手女性フォトグラファー。

「やおよろず」をコンセプトとし800クリエイターズと命名、現在活動中。

2020年より活動している服飾デザイナーとハンターの二人組アーティスト。
「人々は気づかない内に沢山の大切なものを見過ごしているのではないか。」 そんな共通の疑問からユニットを結成しました。
大きく変わってしまった今の世の中に対して、深く呼吸をするような気付きを与えたい。というコンセプトを基に活動しています。

1992年生まれ 大阪府出身
デザイン専門学校在学中、その傍らで始めていた音楽活動に転身することを決め、専門学校を中退。
2011年、ラッパーとしてキャリアをスタート。
当初は歌詞での表現をメインに活動していたが、様々なジャンルやカルチャーに触れていく中、言葉よりも”音”への関心が強まり、2018年にエレクトロニカ・デュオ”Konstructal”を結成。
以降、音楽的概念やジャンルに囚われない独自のスタンスで楽曲制作を行なっている。